Galeria trinta
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GALERIA TRINTA JORGE BARBI (A Guarda, Pontevedra, 1950): representa una de las trayectorias más singulares del panorama artístico gallego de los últimos años. Desde su presentación en la VI Bienal Internacional de Arte de Pontevedra hasta la fecha, su obra ha pasado por varias fases: una vinculación con el land-art, la utilización de recursos y dimensiones lingüisticas pero siempre con un inconfundible tratamiento que desafía a la mirada del espectador con retos y juegos conceptuales. En ARCO mostrará fotografías de la intervención arquitectónica realizada en el casco histórico de Santiago de Compostela: un minarete árabe elevándose sobre el horizonte cristiano compostelano y que opone dos mundos enfrentados en la actualidad. MANUEL BOUZO (Ourense, 1946): Artista tardío, comienza su trabajo con múltiples referencias a diferentes movimientos artísticos como el dadaísmo, surrealismo, cubismo… y a artistas, en especial Rothko, Schwitters, Joseph Cornell, Carmen Calvo… y un largo etcétera. Recolector de objetos, imágenes, sueños… su obra es un cuaderno de bitácora en donde refleja su vida a modo de pachwork. En relación a esto está la importancia de la memoria, los recuerdos… que van re-construyendo la historia. Son obras cargadas de simbolismo, espiritualidad, erotismo, la muerte como parte ineludible de la vida, sin olvidar algo tan serio como la ironía. BERTA CÁCCAMO (Vigo, 1963): comenzó su andadura con la nueva generación plástica gallega de los años 80. En su pintura, de gran talento colorista, destaca la simplificación de la forma, lo cual le otorga mayor protagonismo a la misma y una contención propia de su poética personal, cuyo lenguaje es el silencio. Recurriendo al pliegue pictórico (la pintura se curva una y otra vez sobre sí misma) y al trazo único entendidos como mecanismos esenciales de la pintura, ofrece como resultado una obra depurada y sugerente, que produce sensación de ausencia, siendo su trabajo de estricta contención. ALBERTO CARNEIRO (Coronado, Portugal, 1937): en sus últimas obras, la mayoría en madera u otros elementos naturales, nos ofrece, como es habitual en él, una profunda reflexión en torno a la naturaleza y la relación del hombre con ella siempre dentro de un gran respeto e impregnadas todas ellas de una gran carga poética. Su preocupación por la ecología es explícita y de hecho ha escrito uno de los primeros Manifiestos de arte ecológico. Su trabajo está marcado por sus vivencias existenciales, sobre todo de la infancia; es importante entonces la huella de la memoria, que rescata esas vivencias para plasmarlas de forma estética pero con un contenido intelectual, ya que la obra es forma e idea. Visión de la creación como interpretación del mundo. Aúna las influencias orientales, es un gran conocedor de las filosofías de Oriente, como la fascinación por la naturaleza propia de la cultura tradicional japonesa y la experiencia de Occidente. También los viajes que ha realizado a lo largo de su vida han dejado huella en su trabajo. Alberto Carneiro realiza, a través del arte, una búsqueda de sí mismo; es la vuelta a la tierra, a los orígenes, la necesidad de encontrase con sus raíces.
JOSE FREIXANES (Pontevedra, 1953): integrante del movimiento Atlántica en los años 80, ha desarrollado una extensa trayectoria que, tras pasar por diferentes etapas, se decanta en los últimos años por una gran influencia del mundo oriental, más concretamente de la India, por la que siente un interés especial; De ese país toma las técnicas de imprimación además de reflejar su mundo cultural y sus gentes. En su obra más reciente sobre papel no abandona el tema, siempre presente en su trabajo, del viaje (también interior), el éxodo, el drama de la emigración de triste actualidad y la memoria o su ausencia. Ahonda además en el tema de la locura. Es la suya una pintura matérica, de gran cromatismo y recurrentemente figurativa. Apela a la reflexión por parte del espectador ante una temática comprometida y representativa del caótico mundo en el que vivimos. JUAN GALDEANO (Almería, 1955): artista imaginativo y arriesgado, deja entrever un sentimiento ecológico y lúdico que caracteriza su propuesta para estructurar un lenguaje artístico definido. Disgregando, fragmentando el espacio de la propia obra y de la evolución de su percepción, consigue involucrar al espectador en una dimensión de extrañamiento y curiosidad. Su trabajo abarca múltiples manifestaciones artísticas: fotografía, escultura, instalación, performance… donde juega un papel fundamental el sentido del humor y el carácter poético. GILBERT GARCIN (La Ciotat, Francia, 1929): vendedor de lámparas en Marsella, tras jubilarse, decidió dedicar todo su tiempo a la fotografía. Tras ganar el concurso del club de fotografía de Aubagne, cuando tenía 65 años, realizó un curso en Arles con Pascal Dolesmieux, que le enseñó todos los trucos del oficio. Así comenzó Gilbert su nueva carrera convirtiéndose en un fotógrafo original que a la manera de un artesano construye sus escenarios donde el protagonista (él mismo y a veces su mujer) están omnipresentes en ese mundo en blanco y negro. En su trabajo, Gilbert es poeta, cómico, intelectual y filósofo y nos regala bellísimas imágenes de gran austeridad cuyas influencias son variadas, entre otras, cinematográficas. ÁNXEL HUETE (Ourense, 1944): Artista de una sólida formación, trabaja en una línea de investigación permanente, derivando de una primera tendencia “pop” hasta una desaparición absoluta de la figuración, un lenguaje de abstracción en torno a las variaciones cromáticas; se expresa transformando la superficie de partida de sus cuadros, en una superposición de capas de pintura con sutiles cambios de tonalidades. En ocasiones, su pintura parece estar revestida de una pátina que la desidia y la indiferencia permitieron construir. La superposición de trazos y la repetición continua de un mismo elemento hace que las formas se desintegren en el conjunto, la evanescencia de los elementos pictóricos nos habla de lo Invisible en aquello que se repite, del empobrecimiento que produce lo homogéneo, algo que afecta tanto a la pintura, como al individuo inmerso en la sociedad. THOMAS JOCHER (Saalfelden, Austria, 1961): Pintor enigmático, sus lienzos se pueblan de objetos aislados sobre una superficie neutra que se convierten en una herramienta básica para investigar sobre la percepción en la pintura. La sensación de corporeidad de estos objetos pintados, la ilusión de tridimensionalidad, son una continua referencia a lo escultórico; sus cuadros buscan traspasar los límites de la propia pintura; las figuras en el lienzo deben poder rodearse, percibirse desde todos sus ángulos, y de esta forma, liberar a la pintura de sus propios condicionantes; Lo figurativo en Thomas Jocher no es sólo una excusa para hablar del proceso de percepción, su iconografía de objetos cotidianos nos muestran el interés del artista por mostrar la débil barrera entre conceptos tan dispares como la seducción y la repulsión, el gusto y el apetito: así, el espectador, se acerca con una especial proximidad a sus objetos que, siempre fuera de escala, son tratados como cuerpos de calidades carnosas. CARLOS PAZOS (Barcelona, 1949): se ha convertido progresivamente en uno de los artistas contemporáneos españoles más prestigioso. Recientemente ha sido galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas 2004. Hombre de símbolos y fetiches, de una creatividad habilísima, automática, este artista catalán desvela un rastro levemente romántico al inocular a sus obras un clima auténtico y bizarro, una atmósfera personal y escatológica; huyendo del frío gesto nominativo de la ortodoxa apropiación duchampiana. Evita siempre el criterio de estilo, para precisar con versatilidad el medio (instalación, collage...) más adecuado a la narración que sus obras representan. PAMEN PEREIRA (Ferrol, 1963): artista multidisciplinar en cuya obra los materiales tienen gran importancia convirtiéndose en los auténticos protagonistas de sus trabajos: humo, cera, grasa, chocolate, alabastro, pan de oro... son manipulados con una importante carga poética para trascender su propia naturaleza incorporando las mutaciones, consecuencia del tiempo, al resultado formal final de la obra. A lo largo de su trayectoria ha estado siempre presente la impronta del mundo y la filosofía oriental, por el que siente una apasionada atracción. MANUEL SAIZ (Logroño, 1961): artista y curator independiente, es también miembro fundador de TheVideoArtFoundation en 2001 y editor de artDVDbook collection ,existente desde 2005; desde mediados de los ochenta, ha mostrado sus esculturas, dibujos y fotografías en museos y galerías para, a partir de 1995, centrar su trabajo en el vídeo-arte. Recientemente ha recibido el Primer Premio del Internationale Kurzfilmtage celebrado en Winterthur, Suiza. Un marcado carácter intelectual y conceptual caracterizan sus últimas producciones. Trascendence of Networks es una compleja vídeo-instalación con formato de trilogía. Rodada en tres localizaciones diferentes (Utrecht (Paises Bajos), Numazu (Japón) y Santiago de Compostela (Galicia), se complementa con una serie de fotografías“. A life” es el título que reciben las tres cintas y que hace referencia al leit motiv de las mismas. CURRO ULZURRUN (Madrid, 1959): artista incombustible y que desborda el perfil de escultor tradicional, ha basado su trayectoria en una constante disciplina apoyada en el trabajo y en el propio estudio de nuevas propuestas. Apasionado por el conocimiento de las posibilidades técnicas en el manejo de la piedra con la que desafía el principio estructural de la roca como bloque o materia y que maneja de manera virtuosa especialmente la caliza negra de Calatorao, por la que siempre ha sentido predilección. En los últimos años se acentúa su vínculo con la naturaleza al incorporar elementos como ramas, nidos o plumas que le otorgan a su obra fragilidad, delicadeza, ironía y un carácter etéreo sin perder el rigor formal que la caracteriza. Otro material es la madera, a veces policromada, y que integra, casi sin tratar, aprovechando las posibilidades que proporcionan las propias formas naturales y con la que realiza sus “Mobiliarios”: formas imposibles de sillas y mesas con las que expresa actitudes humanas, metáforas de encuentros y desencuentros, de juegos, compañía o soledad. Poética narrativa del ámbito de lo doméstico, donde cobra gran importancia el concepto de casa/nido como refugio y lugar donde protegerse. MANUEL VILARIÑO (A Coruña, 1952): con una dilatada trayectoria dentro del difícil mundo de la fotografía, se ha convertido en uno de los artistas gallegos con mayor proyección internacional. Sus temas recurrentes, casi de manera obsesiva, son animales muertos, que disecciona y/o relaciona con determinados instrumentos, y las naturalezas muertas, bodegones de luz tenebrista de belleza sencilla y serena. Vida y muerte se muestran como conceptos inseparables e impregnados de una gran dosis de literatura y poesía. Son siempre sus obras metáforas de la existencia, del ineludible paso del tiempo siempre bajo la sombra de la muerte y de ese tránsito, que es la vida, hacia ella. GALERÍA MARTA CERVERA Changha Hwang, Corea 1969, presenta en Arco’07 una nueva serie de obras en la Galería Marta Cervera. Coincidiendo con la exposición en la Galerie Anne de Villepoix en París, el artista estará presente los días 14, 15 y 16 de febrero en Madrid. Los ángulos y ángulos rectos de Changha Hwang, considerados como fronteras territoriales transformadas en fuerzas interactivas, nos permiten ver dentro de un marco del cuerpo humano arterial y neurológico y al mismo tiempo, algo muy contemporáneo parecido a redes tecnológicas o virtuales. La obra de Changha Hwang en apariencia geométrica y llena de ángulos, se percibe junto con la intensa variedad cromática, como un conjunto de formas superpuestas de gran intensidad. Por un lado, nos transmite una experiencia casi tecnológica y por otro, de emociones contrapuestas y variadas similar a la percepción vital de cualquier experiencia, con entradas y salidas entre lo orgánico y lo geométrico y con gran variedad de composiciones diferentes dentro de una misma obra. El color y la forma, en aparente movimiento, consiguen un equilibrio entre lo negativo-positivo jugando a organizarse en ilimitadas series. La línea y la disfunción creadas entre verticales y horizontales formando y rompiendo su formación en cuadrados puede también ser definida como un ritmo. El exterior profundiza en el interior, y las fuerzas disuaden de las formas. Francesco Jodice, Nápoles 1967, presentará en Arco’07 el vídeo realizado con motivo de la Bienal de Sao Paulo’06, titulado “Citytellers”, obra que ha tenido gran difusión mediática en Brasil. También presentaremos obras de los artistas Ruth Root, Emilio López-Menchero, Franceso Pistolesi y Luisa Rabbia. ESPACIO MINIMO MANU ARREGUI (Santander, 1970) presenta seis fotografías de la serie Un impulso lírico del alma, como anticipo del proyecto del mismo título que se completará con más fotografías y un vídeo para cuya realización ha contado con el Patrocinio de la Dirección General de Cultura de la Región de Murcia, y con la participación de Rubén Orihuela, el primer deportista varón que ha participado de forma profesional en un certamen nacional de gimnasia rítmica, y con el que vuelve a incidir en cuestiones de índole artístico y filosófico que Arregui ha tratado ya en trabajos anteriores. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en la especialidad de Audiovisuales. Ha participado, con la galería Espacio Mínimo en un gran número de ferias internacionales de arte contemporáneo como ARCO, ART CHICAGO, ART BASEL MIAMI BEACH o FRIEZE ART FAIR. Sus trabajos han sido incluidos en importantes exposiciones colectivas como Trans Sexual Express Budapest 2002 comisariada por Xavier Arakistain en Mücsamok Kunsthalle de Budapest, Bad Boys proyecto de Agustín Pérez Rubio realizado con motivo de la 50 edición de la Bienal de Venecia, Monocanal. vides: 1996-2002 comisariada por Berta Sichel y Juan Antonio Álvarez Reyes para el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o Sesiones Animadas un proyecto de Juan Antonio Álvarez Reyes que se expuso en el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. En 2002 obtuvo la Beca de Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín y su obra está representada, entre otras, en las colecciones del Museo ARTIUM de Vitoria, el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) de León, el Museo de Bellas Artes de Santander o la Fundación Ordóñez Falcón de Fotografía. NONO BANDERA (Málaga, 1958), que ha programado esta temporada en la galería la exposición Esto ya lo había pintado yo mañana, presenta en ARCO’07 una selección de sus últimos trabajos en los que insiste en su pertinaz negativa a partir del blanco del lienzo o del papel como inicio de cualquier acto creacional, para realizar una obra a dos manos. La reinterpretación de imágenes previas encontradas en mercadillos o tiendas de antigüedades se convierte de esta forma en eje fundamental de su trabajo. Profesor titular de la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, ha obtenido el Premio de Pintura Ciudad de Palma en su última edición, mostró la pasada temporada el proyecto individual La Historia se confiesa en el CAC de Málaga, presentó en ART BASEL MIAMI BEACH 2003, en el sector Art Positions, la instalación individual España es el País preferido de Dios, y en BIDA, Bienal Internacional del Deporte 2003, ha participado en varias ediciones de ferias internacionales de arte contemporáneo como ARCO, ART BASEL MIAMI BEACH, FRIEZE ART FAIR, ART CHICAGO, FIAC, ART FORUM BERLIN o ARTISSIMA y tiene obra en importantes colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. ROSALÍA BANET muestra una serie de pinturas en gran formato de la serie Comestibles y un nuevo vídeo de la serie Operaciones en los que se sirve de nuevo de una iconografía doméstica, aparentemente agradable y placentera, para realizar unas obras-trampa de las que se vale para hablar de la herida y/o la enfermedad, de la vulnerabilidad que ellas comportan, del peligro acechante y, por tanto, el miedo que evidencia nuestra propia fragilidad. Nacida en Madrid en 1972, es Licenciada en BB.AA. por la Universidad de Vigo y fue Profesora de Pintura en la Facultad de BB.AA. de Altea. Ha expuesto individualmente en distintas galerías españolas y extranjeras y ha participado en importantes muestras colectivas y, con la galería Espacio Mínimo, en destacadas Ferias Internacionales de Arte Contemporáneo como ARCO, FRIEZE ART FAIR, ART CHICAGO, ART BASEL MIAMI BEACH o ARTISSIMA. BENE BERGADO presenta en esta ocasión nuevos dibujos de la serie Gabinete de vidas anómalas, representaciones de personajes imaginarios, a medio camino entre lo humano y lo animal, y sus extrañas relaciones y cuatro nuevas esculturas de extraños cráneos de inquietantes especimenes, no sabemos bien si del pasado o del futuro, como piezas de un inclasificable museo de antropología. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, fue profesora de la misma Facultad desde 1987 a 1997. Ha participado, entre otras importantes exposiciones colectivas, en Distancia Cero, comisariada por José Luis Brea en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona, PROCESOS, en el Festival Internacional de Lima, comisariada por Menene Gras, Como nos vemos. Imágenes y arquetipos femeninos, en Tecla Sala en Hospitalet, comisariada por Victoria Combalía, Trans Sexual Express comisariada por Xabier Arakistain en BILBAO Arte, Club-Arts & Lounge. Museo de Granollers. Barcelona, comisariada por Manel Clot y Cuerpo y Habitat. Antiguo depósito de aguas de Vitoria comisariada por Menene Gras y en importantes Ferias Internacionales de Arte Contemporáneo como ARCO, FRIEZE ART FAIR, ART CHICAGO, ART BASEL MIAMI BEACH o ARTSSIMA. De ANNE BERNING presentamos en ARCO’07 sus últimos trabajos pictóricos en los que realiza un guiño irónico e inteligente a la historia del arte para estructurar su discurso conceptual estableciendo relaciones entre distintas categorías históricas, cronológicas, de estilo, formulación o género, creando un sutil y a veces irónico juego de contrastes o de asociaciones. Por otro lado, el agrandamiento del objeto plasmado, la opción del detalle, las citas visuales y textuales o la utilización de un orden estrictamente racional, el alfabético, en la colocación de los libros en la supuesta estantería, inciden en ese proceso de asociaciones que activan los archivos del espectador y sus perspectivas de percepción Nacida en Werl, Alemania en 1958, ha expuesto individualmente en la Kunsthalle de Bremerhaven, en la galería Kuckei + Kuckei de Berlin, Grunt Gallery de Vancouver y en importantes colectivas como Io non ho paura del colore en la Villa Piccolomini de Roma, Don en Chianti Fundation en Texas, Save the day en el Museo de Arte Moderno de Frankfurt o Die Orte der Kunst en el Sprengel Museum de Hannover y en algunas de las más prestigiosas Ferias Internacionales de Arte Contemporáneo. El fotógrafo estadounidense JAMES BIDGOOD, exhibe algunas de sus más conocidas fotografías de los sesenta para las que creó escenarios fantásticos a base de colores vibrantes, proporciones exageradas y vestuario deslumbrante donde un grupo de atractivos jóvenes recrearon la moderna iconografía con la que el artista logró plasmar el universo onírico gay contemporáneo y que ha servido como referente a algunos de los más significativos artistas de las últimas décadas. JAMES BIDGOOD llegó a New York desde Madison, Wisconsin, en 1951 a la edad de 18. A comienzos de los años 50, fue actor en varios espectáculos Off-Broadway en clubs nocturnos, para los que también creó escenarios y trajes. Más tarde encontró trabajo como escaparatista y se matriculó en la Escuela Parsons de Diseño, donde fue galardonado. Su personal universo, creado hace casi cuarenta años, sus realidades construidas, su artificiosa iconografía, se anticiparon e influenciaron a otros artistas, sobre todo Pierre et Gilles, pero también, en distintos aspectos, a Paul McCarthy, Cindy Sherman, Tracey Moffatt o Gregory Crewdson. Su película de culto Pink Narcissus y la mayoría de sus fotos fueron realizadas entre 1963 y 1970 en su pequeño apartamento del centro de Manhattan. Pink Narcissus, por otra parte, ha sido exhibida regularmente en festivales y escuelas de cine desde su lanzamientos en 1971 y fue remasterizada y lanzada internacionalmente en video hace unos años. Ha sido proyectada en el MOMA de New York y tubo un revival en el “Screening Room” la ultima semana de 1999. SERGEY BRATKOV, que ha venido realizando desde hace años una suerte de fresco descarnado y conmovedor de la sociedad rusa actual, retratando los especimenes más reales y, muchas veces, menos ejemplares de su país que como mártires contemporáneos muestran en sus fotografías sus estigmas menos favorecedores: soldados de fortuna sin esperanza, luchadores ilegales sin presente, ancianos marineros sin futuro, niños intoxicados de pobreza y desarraigo… expone sus últimas fotografías en las que las figuras han abandonado casi totalmente el protagonismo para centrarse en unos desoladores escenarios vacíos de una desgarradora belleza en las que, como en el resto de sus crudas y, a veces, descarnadas series, nos ofrece una personal y al mismo tiempo certera visión de algunos de los aspectos menos gratificantes o complacientes de su país. Nacido en Kharkov, Ucrania, en 1960 ha expuesto individualmente en el Museo SMAK de Gante, en el Centro de Arte Contemporáneo de Kiev y en las galerías LipanjePutin de Trieste, Regina de Moscú, Anita Beckers de Frankfurt o Transit de Mechelen (Bélgica) y ha representado a Rusia en la 50 edición de la Bienal de Venecia, en la 25 edición de la Bienal de Sao Paulo y ha tomado parte, entre otras importantes muestras colectivas, en la Manifesta 5 en San Sebastián, y en las exposiciones Horizons of Reality en MuHKa de Amberes (Bégica) y Neue Ansatze/Zeitgenossische Kunst aus Mooskau en la Kunsthalle de Dusseldorf… IAN BURNS que tendrá su primera exposición individual en España en nuestra galería el próximo mes de marzo, muestra alguna de sus enloquecidas esculturas en las que juega con una falsa apariencia de primitiva tecnología, un pretendido acabado tosco y amanuense que encierra una mirada irónica y crítica sobre algunos aspectos de la sociedad actual. BURNS nació en Australia y reside y trabaja en New York. Estudió en Swinburne University en Melburne y en la Universidad de Newcastle en Australia y en el Hunter Collage of CUNY de New York. Ha expuesto individualmente en destacadas galerías e instituciones de Australia y U.S.A. y en importantes muestras colectivas -Greater New York, PS1 Museum of Contemporary Art, New York, Between Interconnectedness Smack Mellon, Brooklyn, NY- y ferias internacionales de arte contemporáneo –Armory Show, VOLTAshow…-. LIU DING, uno de los artistas conceptuales chinos más interesantes de las últimas generaciones, que acaba de exponer en instituciones occidentales tan importantes como Serpentine Gallery en Londres y la Fundazione Sandretto Re Rebaudengo de Turín, presenta en ARCO’07 seis piezas de la serie Nail Polish Painting realizadas con laca de uñas sobre aluminio. Nacido en China en la provincia Changzhou Jiangsu en 1976, vive y trabaja en Beijing. En 2001 funda con otros artuitas Complete Art Experience Project donde lleva a cabo proyectos colectivos e individuales inusuales y ese mismo año establece Pink Studio en Nanking donde comisaría y publicita el trabajo de jóvenes artistas chinos. Ha expuesto en destacadas galerías chinas -FEIFAN Art Center, Nanjing, Beijing Long March Project Room, Beijing…- y occidentales -L.A. Gallery, Frankfurt, Marella Gallery, Milan…-, e instituciones -Dartington College of Arts, Dartington, UK, The 4th Seoul International Media Art Biennale, Seoul Museum of Art, Seoul, Korea, Archaeology of the Future, 2nd Triennial of Chinese Art, Nanjing Museum, Nanjing China, Beyond, the Second Guangzhou Triennial, Guangdong Art Museum, Guangzhou, China, Image Beyond Image, Solo Photography Exhibition, Rooseum, Malmö, Suecia, Space, Guangdong Museum of Art Contemporary Art Invitational Exhibition, Guangdong Museum of Art, Guangzhou, China, New Urbanism, Chinese Contemporary Art Exhibition, Guangdong Museum of Art, Guangzhou, China, ALL Look Same? ArtChinaJapanKoreart, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turín, Italia…- JAN FABRE exhibe algunos de sus inquietantes dibujos total o parcialmente realizados con su sangre y varios Thinking Models, unos interesantes trabajos escultóricos en pequeño formato que vienen a ser como pensamientos en tres dimensiones, esquemas de su más íntimo proceso creativo, reflejo del nacimiento de sus ideas a través de las cuales la imaginación se hace tangible. Realizados con los más diversos materiales, algunos de estos bocetos primarios han llegado a ser esculturas monumentales, piezas escénicas y/o textos dramáticos. FABRE (Amberes, 1958), está representado en algunos de los museos y colecciones públicas y privadas más importantes del mundo. Ha participado en las más significativas muestras artísticas contemporáneas, como la Documenta 9 de Kassel, la 21 Bienal de Sao Paulo, La Bienal de Venecia en varias ediciones y la de Estambul. Ha expuesto individualmente en destacadas galerías privadas de todo el mundo -Galerie Elisabeth Kaufmann de Zürich, Massimo Minini de Brescia, Galerie Ronny Van de Velde, de Amberes , Galeria Luis Serpa de Lisboa, Galerie Daniel Templon de Paris…- y en importantes museos e instituciones públicas como Stedelijk Museum de Amsterdam, The Museum of Contemporary Art de Helsinki, Museum of Modern Art de Ljubljana, FRAC Lorraine en Verdun, MUHKA Museum voor Hedendaagse Kunst de Amberes, Ludwig Museum de Budapest, Museum of Modern Art de Zagreb, Kunsthalle de Kiel, Haggert Museum of Art de Milwaukee, Sprengel Museum de Hannover, Kunsthalle de Ravensburg, AR/GE Museum de Bozen, Kunsthalle de Rostock, Centro de Arte Moderna de Palermo, Museum of Contemporary Art de Varsovia, Natural History Museum de Londres, Carré Saint Anne and Jardin de la DRAC de Montpellier, MIMOCA Museum of Contemporary Art de Marugame (Japón), Galerie Beaumont Public de Luxemburgo, Foundation Yvon Lambert/Saint Charles Church de Avignon, Fundación Miró de Barcelona…. TOM OF FINLAND de quien la galería programó en 2005 su primera exposición individual en España se muestran en ARCO’07 algunos de sus inconfundibles dibujos de lápiz sobre papel de jóvenes hombres de exagerada belleza y virilidad en escenas abiertamente eróticas, que sirvieron para fijar la estética gay masculina de las últimas décadas del pasado siglo y que aún siguen hoy incidiendo e influenciando en el trabajo de un gran número de jóvenes creadores de disciplinas diversas. TOM OF FINLAND (1920-1991) realiza sus primeras ilustraciones en los años 40 pero es a partir de los años 50 cuando sus dibujos comienzan a ser habituales de las publicaciones eróticas masculinas y durante las tres décadas restantes se irá fraguando su leyenda e irá perfilando la evolución de la estética gay del final del pasado siglo. Sus dibujos empiezan pronto a traspasar las fronteras de los medios impresos para ocupar las salas de galerías de arte y museos como Daniel Buchholz Galerie de Colonia,, Mark Moore Gallery de Santa Mónica (USA) o Enmanuel Perrotin Galeríe de París o The New Museum de New York, Los Angeles County Museum of Art o el Whitney Museum de New York. Su obra está representada, entre otras importantes colecciones, en el Museum of Contemporary Art de Helsinki, Los Angeles County Museum of Art de Lós Angeles o el San Francisco Museum of Modern Art en San Francisco. MIGUEL ANGEL GAÜECA comtinúa, con las dos nuevas fotografías que exponemos, su personal corpus en el que plasma su reflexión personal sobre la identidad. En este trabajo se propone una reflexión en torno al mundo del arte tomando como punto de partida la figura del artista. El autor no adopta roles ajenos, como ocurre en la obra de otros artistas, sino que asume el carácter poliédrico de toda identidad, mostrando distintas facetas de un universo personal en conflicto con una estructura ya definida. GAÜECA (Bilbao 1967) es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del Pais Vasco, ha participado, entre otras, en la exposición “Transexual express” comisariada por Xabier Arakistain en BILBAO arte y en la misma exposición comisariada, además, por Rosa Martínez en su edición de Barcelona y Budapest y en un buen número de Ferias Internacionales de Arte Contemporáneo como ARCO, FRIEZE ART FAIR, ART CHICAGO, ART FORUM, ART BRUSSELS, FIAC… y su obra está representada, entre otras, en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, ARTIUM de Vitoria, el Instituto de la Juventud de Madrid, la Diputación Foral de Vizcaya, el Ayuntamiento de Bilbao la Fundación Caja Vital Kutxa y el Patrimonio de la Universidad del Pais Vasco. RISK HAZEKAMP presenta en ARCO’07 algunos de sus nuevos trabajos, alguno de los cuales ha podido verse en la exposición Mascarada de D2 en Salamanca, en los que sigue insistiendo, con una profunda vuelta de tuerca, en la reinvención de su propia identidad y en los juegos de roles y género. RISK HAZEKAMP (The Hague, 1972), cursó estudios de Fotografía en Willem de Kooning Academy en Rotterdam y en Jan van Eyck Academy en Maastricht, ha expuesto individualmente en galerías europeas y ha mostrado su trabajo en destacadas ferias internacionales de arte contemporáneo como ARCO, ART FORUM BERLIN, ART COLOGNE, LISTE o PARIS PHOTO y su obra está representada en importantes colecciones públicas como el Gemeente Museum de Helmond, la Maison Européenne de la Photographie de París, el MACBA de Barcelona, el Fries Museum de Leeuwarden, el Center of Visual Arts de rótterdam, o el Museum Het Domein de Sittard. De LIU KUN, se muestran dos pinturas y una escultura de la serie Shall We Dance? Que recrea, en unas pinturas grandes, pequeños personajes sacados de las yang ban xi, las ocho óperas adaptadas de la tradición por la mujer de Mao que eran las únicas que podían representarse durante su mandato y que servían al pueblo más que de distracción de mensaje ejemplar de las ideas revolucionarias. LIU KUN, nacido en Beijing, China, en 1968 es graduado en CAFA (Central Academy of Art and Design) en Beijing. Ha expuesto desde 1996 en importantes galerías e instituciones de China (Wester Academy of Beijing, Xirui Art Center of Beijing, Yan Gallery en Hong Kong…) y USA. YANG JING, que ha centrado últimamente su trabajo en los juegos y los juguetes y en la influencia que ambos ejercen sobre muchos aspectos de nuestra existencia, mostrados en sus obras como entidades llenas de vitalidad y energía que le sirven para expresar sus experiencias sentimentales e indagar en las influencias, significados y connotaciones que tienen en nuestras vidas, ha realizado para la Feria un óleo de gran formato en el que una muñeca humanizada se arropa de algunos signos característicos de la parafernalia china contemporánea y algunas de sus impactantes acuarelas. YANG JING (Beijing, 1976), es también graduada en CAFA (Central Academy of Fine Arts) de Beijing y viene participando desde 2003 en algunas destacadas exposiciones colectivas como N12 y N12 nº 2 en la Gallery of Central Academy of Fine Arts en Beijing en 2003 y 2004, The Self-Made Generation. A Retrospective of New Chinese Painting en Shanghai Zendai Museum of Modern Art y Fiction @ Love en el Museum of Contemporary Art de Shanghai ambas en 2006. YEONDOO JUNG expone en ARCO’07 una muestra de la serie Wonderland que actualmente muestra en la galería compuesta por fotos que recrean, del modo más fidedigno la magia plasmada en dibujos infantiles realizados previamente y seleccionados por el artista. De este modo el artista consigue convertir la fantasía infantil en una realidad fotográfica sin la ayuda de métodos digitales. Nacido en Jinju, Corea, en 1969, estudió Escultura en el Fine Arts Collage de la Universidad Nacional de Seúl y en Central Saint Martins Collage of Art de Londres, realizó un Master en Goldsmiths Collage de la Universidad de Londres y ha sido Artista Residente en Ssamzie Art Space en Seúl, 1A Space en Hong Kong, Fukuoka Asian Art Museum en Japón, Art Omi en New York, Villa Arson en Niza e ISCP en New York. Ha expuesto individualmente, entre otras, en Kukje Gallery en Seúl, Tina Kim Fine Art de New York, 1A Space de Hong Kong o Koyanagi Gallery de Tokio, en importantes exposiciones colectivas en la Kunsthalle de Viena, East Asian Art Museum de Berlín, Charlottenborg Museum de Copenhague, Museum of Contemporary Photography de Chicago, Seoul Museum of Art de Seúl, Total Museum de Seúl, De Appel Centre of Contemporary Art de Ámsterdam, Kunstforeningen de Copenhague, Shangay Art Museum, Fukuoka Asian Art Museum en Japón, Ein Ardo Museum de Tel Aviv… y en “De Kleine Biennale” de Utrech en 2006, Fotograpie Forum Internatioal en Frankfurt am Maine en 2005, el Pabellón de Corea en la Bienal de Venecia de 2005, la Bienal de Liverpool en 2004, la Bienal de Shangay en 2002, Busan Biennale en Corea en 2002, la Bienal de Tirana en 2001… y tiene obra, entre otras importantes colecciones, en Fukuoka Asian Art Museum en Japón, Art Sonje Centre en Seúl y Calder Fundation, Estee Lauder Corporate y Joy of Living Something Fundation en New York. ENRIQUE MARTY expone unas pinturas de gran formato y varias de sus características escultura de personajes singulares en los que trata nuevamente de mostrar una realidad alterada e inquietante, un espejo deformado que escupe –en palabras de David Barro- rostros que son los nuestros sin maquillar, o mejor, maquillados hasta un lujurioso exceso. ENRIQUE MARTY (Salamanca 1969) ha expuesto individualmente en las últimas temporada en el Espacio Uno del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofí y en elMuseo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Mexicoa y en diversas galerías extranjeras como Enrique Guerrero de México D.F., Bryce Wolkowitz de New Cork, Greenaway Art Gallery de Adelaida (Australia), Casa Triângulo de Sao Paulo (Brasil) y Carbone.To de Turín (Italia); y ha participado, entre otras, en las exposiciones colectivas The Real Royal Trip que Harald Shemann ha comisariado para el MOMA/PS1 de New Cork, Ofelias y Ulises. En torno al arte español contemporáneo comisariaza por Rafael Doctor durante la última Bienal de Venecia, Pay Attenti(on) please en el Museo d’Arte Nuoro en Cerdeña o Políticas de la diferencia. Arte latinoamericano de fin de siglo, itinerante en diversos museos e instituciones de América Latina. Su obra está representada, entre otras, en las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo Marugame Hirai de Japón, el MUSAC de León, la Fundación Marcelino Botín de Santander, la Junta de Castilla-León o las colecciones Unicaja y Caja Burgos. ISAAC MONTOYA muestra en esta edición de ARCO una de sus características imágenes fotográficas en gran formato en las que inventa una realidad manipulada, basada siempre en una imagen real de un acontecimiento realmente ocurrido, que nos presenta del modo más crudo y cruel otra realidad posible, aún más terrible, como si de un golpe se anulara el maquillaje y el artificio con el que gran parte de la sociedad actual pretende camuflar la vida. Además, el artista aprovecha nuestro stand de ARCO’07 para presentar uno de sus trabajos más personales, la página web: www.sonialamur.com ISAAC MONTOYA (Burgos 1963) es licenciado en BBAA por la Universidad Complutense de Madrid, acaba de exponer un proyecto individual en el CAB de Burgos y en la Casa Encendida de Madrid y en 2003 lo hizo en la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca. Ha expuesto en varias ediciones de ARCO y en otras importantes Ferias Internacionales de Arte Contemporáneo como FRIEZE ART FAIR en Londres, CIGE en Beijing o ARTISSIMA en Turín. MANU MUNIATEGIANDIKOETXEA, uno de los artistas seleccionados por María del Corral para el apartado Solo Shows: 16 proyectos de arte español de la pasada edición de ARCO, exhibirá en nuestro stand sus últimas pinturas de gran formato en las que destaca una iconografía mas variada y una ejecución más fresca, libre y gestual que dan como resultado unas obras fuertes, vibrantes, casi hirientes. Este trabajo se complementa con una muestra de sus piezas escultóricas que vienen a ser una prolongación natural de su pintura y que, en muchas ocasiones, forman parte fundamental de la iconografía de sus cuadros. Nacido en Bergara en 1966, es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en las especialidades de Pintura y Escultura, realizó la exposición Ni ez nain hemengoa en la Sala Rekalde de Bilbao comisariaza por Chus Martínez, ha participado en importantes ferias internacionales como ARCO, FRIEZE ART FAIR o ART BASEL MIAMI BEACH donde en la última edición presentó un proyecto individual en el sector “Art Positions”, ha obtenido, entre otros, el Primer Premio Generación 2000. Caja Madrid y la Beca Endesa en 2001 y tiene obra, en la Colección Unión Fenosa de La Coruña, Museo de Bellas Artes de Álava, Colección Banco de España, Colección L’Oreal, Fundación Coca-Cola España o los Ayuntamientos de Pamplona y Vitoria y acaba de ganar una de las Becas Altadis. ERWIN OLAF presenta en ARCO’07 algunos de sus últimos trabajos fotográficos en los que recrea nuevamente, con un lenguaje refinado y decadente, un mundo inquietante, teatral y obsesivo, en el que los personajes se muestran en situaciones difícilmente clasificables, y un nuevo trabajo videográfico. ERWIN OLAF (Hilversum, 1959), vive y trabaja en Amsterdam. Desde 1985 ha tenido varias exposiciones individuales en el Stedelijk Museum en Amsterdam, el Museo Groninger, la Frankfurter Kunstverein y el Museo Ludwig de Alemania. En 1988, recibió el Young European Photographer Prize en Alemania. En 1993, la Kunsthal de Rotterdam organizó una retrospectiva de su trabajo, acompañada por la publicación de un libro de sus fotografías en blanco y negro, Joy. Su obra se expuso en la Bienal de Valencia, España. Ha expuesto, entre otras galerías, en Flatland Gallery de Utrecht, Il Ponte Contemporanea de Roma, Wessel + O’Connor Gallery de Nueva York, Roslyn Oxley 9 Gallery de Sydney, Arzenal de Praga y Reflex Modern Art Gallery de Amsterdam. Con la Galería Espacio Mínimo ha participado en varias ediciones de ARCO, FRIEZE ART FAIR, ART CHICAGO, SAN FRANCISCO INTERNATIONAL ART EXPOSITION, ARTISSIMA… MARTIN PARR, que el próximo mes de abril tendrá su primera exposición individual en la Galería Espacio Mínimo en la que presentará su nueva serie sobre México, exhibe en ARCO’07 alguna de sus características e impactantes fotografías en las que plasma con ironía y ácido sentido del humor, los detalles más coloristas y chirriantes de nuestra realidad. MARTIN PARR (Espom, Surrey, Reino Unido, 1952) ha expuesto individualmente en Barbican Art Gallery de Londres (2002), Kunsthalle de Rótterdam (2000 y 2003, Sprengel Museum de Hanover (1999), Serpentine Gallery de Londres (1986), Kodak Gallery de Tokio y Osaka (1989), Museum Folkwang de Essen (1986), Museo Reina Sofía de Madrid (2003), Die Kunshalle de Mannheim (2005)… y en galerías como Rocket de Londres, Kamel Mennour de París y Nicola von Senger de zurcí. De LILIANA PORTER presentamos algunas de sus más recientes pinturas y trabajos fotográficos sobre diálogos de personajes inanimados, muñecos y otros objetos representativos de la cultura de masas que recrean actitudes o expresiones humanas y las esculturas de esos mismos objetos reales que protagonizan sus fotografías. Nacida en Buenos Aires, Argentina en 1941, estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de la capital de Argentina y en la Universidad Iberoamericana de Ciudad de Méjico; obtuvo la Beca Guggenheim en 1980 y la Beca New York Fundation for the Arts en 1985, entre otras; igualmente, ha obtenido importantes premios internacionales desde 1965. Ha expuesto individualmente, en el Museum of Modern Art (MOMA) de New York, en los Museos de Bellas Artes de Caracas y Santiago de Chile, en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, en el Museo Nacional de Artes Plásticas de Montevideo, en la Universidad de Carolina del Norte, en el Instituto de Cultura de San Juan de Puerto Rico, en el Bronx Museum for the Arts de New York, en la Universidad de Texas en Austin, en el Phoenix Art Museum de Arizona, en el Museo de Bellas Artes Juan Manuel Blanes de Montevideo..., y su obra está representada, entre otras importantes colecciones, en el Metropolitan Museum de New York, Museum of Modern Art (MOMA) de New York, University Art Museum de Austin, Texas, Fundación Gulbenkian de Lisboa, Museu de Arte Moderna de Rio de Janeiro, Boras Kunstmuseum de Boras, Suecia, Philadelphia Museum of Art de Pennsylvania, Phoenix Art Museum de Arizona, Phillip Morris Collection de New York, Smithsonian American Art Museum de Washington, Musée d’Art Contemporaine de Montreal, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y de Panamá, Museo de Arte Moderno de Bogotá, de Buenos Aires, de Cali y de Rio de Janeiro, Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, de Caracas y de Santiago de Chile, Museo del Barrio de New York, Museo Tamayo de Méjico, ATT Corporation de New York, Chemical Bank de New York, IBM Corporation de New York, The Chase Manhatan Bank de New York, de Hong Kong y Buenos Aires y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. PAUL M. SMITH insiste en la serie que presenta en ARCO’07, compuesta por fotografías y un video, en la idea del camuflaje, de la doble identidad, de la usurpación de personalidad, haciendo para ello una sutil mezcla digital entre su propia apariencia y la de un conocido y popular personaje que dan como resultado unos retratos inquietantes y perversos que juegan a desorientar nuestro sentido de la percepción. Nacido en Inglaterra en 1969, participó en 1999 en la exposición Neurotic Realism en la Saatchi Gallery. Ha expuesto individualmente en destacadas galerías e instituciones en Europa, America y Oceanía como el Denver Art Museum en USA o el Museo Carrillo Gil en México, ha participado en importantes ferias internacionales como ARCO, Art Basel Miami Beach, Art Forum Berlin, Armory Show en New York… y está representado en las colecciones del Denver Art Museum en USA, Royal Armories Museum en Leeds, Caldic Collection en Holanda o Saatchy Gallery en Londres. LI WEI parte para la realización de sus trabajos fotográficos de una performance previa en la que escenifica situaciones caóticas, acciones imposibles, hechos inverosímiles que son tratados con una fuerte carga de ironía y ácido sentido del humor y que le sirven al artista para afrontar diversos temas de la actualidad política y social con un lenguaje y unos códigos fácilmente entendibles y asimilables por cualquiera en cualquier lugar del mundo. El resultado final son unas espectaculares fotos realizadas durante la performance y retocados digitalmente con posterioridad. Nacido en Hubei, China, en 1970, LI WEI es uno de los artistas chinos de las últimas generaciones con mayor proyección internacional. Ha participado en importantes muestras colectivas como Open Art Platform en el Perfonce Art Festival de Beijing, Constructed Reality – Beijin/Hong Kong Conceptual Photography ene. Hong Kong Arts Center de Hong Kong, China Art Now en el FlashART Museum de Italia, Between Past AND Future – New Photography and Video from China en ICP Asia Society de New York, Smart Museum of Contemporary Art de Chicago, Settle Art Museum de Seattle y Victoria and Albert Museum de Londres, entre otros. LIANG YUANWEI expone nuevas pinturas en nuevos formatos de la serie 50 pieces of life, en las que retrata trozos de telas pertenecientes a su familia, a sus amigos y, sobre todo, a ella misma del modo más real, con los signos del paso del tiempo en la decoloración o los rotos o del uso en las manchas, a escala real, como si el bastidor hubiera sido cubierto con la tela real y no con su imagen en el lienzo pintado y fotos de la serie Somewheresomepage formada por instantáneas que fijan algunos de los más íntimos, personales y evanescentes sentimientos de cada momento y por las pinturas surgidas a partir de alguna de esas instantáneas que conforman una especie de recorrido o anecdotario de su vida en pequeños fragmentos. LIANG YUANWEI (Xi’ An, 1977), es graduada en CAFA (Central Academy of Fine Arts) de Beijing donde actualmente es profesora. Ha participado, entre otras importantes exposiciones colectivas, en N12 y N12 nº 2 en la Gallery of Central Academy of Fine Arts en Beijing en 2003 y 2004, en VV2viverevenezia2. Reciclyng the Future en Venezia en 2003 y en Naughty Kids: the chinese new generation born after 1970 en 2005 en Beijing. GALERIA ESTAMPA FERNANDO ÁLAMO (Santa Cruz de Tenerife, 1952). Pintura. Figuración. Desde su primera exposición en 1972, ha realizado más de veinte exposiciones individuales, entre las últimas en el año 2005, en el Convento de San Francisco de Asis en La Habana, Cuba y en el 2006 en la Fundación Unicaja, Málaga. También es autor de los paneles para los techos del Palacio de la Presidencia del Gobierno Canario en Tenerife y su obra se encuentra en los siguientes colecciones y museos: en Las Palmas de Gran Canaria: Museo Casa de Colón, Presidencia del Gobierno. Centro Atlántico de Arte Moderno. C.A.A.M. Rectorado Universidad de Las Palmas, Colección Caja Insular de Ahorros de Canarias. Colección APM. Centro Atlántico de Arte Moderno. C.A.A.M. Banco de las Islas Canarias y en Tenerife en Parlamento de Canarias, Presidencia del Gobierno, Colección Cajacanarias. IODAC. Instituto Óscar Domínguez de Arte Contemporáneo, y también en la Colección Roland Penrose. Londres, Palacio de la Zarzuela, Madrid. Palacio Real de Jordania, Parlamento Europeo, Bruselas, Palacio Real de Rabat, Marruecos, Parlamento de Israel, Aeropuertos españoles y navegación aérea, Fundación La Caixa, Barcelona, Museo Albertina, Viena. Ministerio de Administraciones Públicas, Madrid y Colección Gas editions. JUDAS ARRIETA (Hondarribia, 1971). Pintura. Figuración. Vive y trabaja entre Donostia y Beijing. Ha realizado diversas exposiciones individuales en Bilbao, Tokio y Beijing. Su obra se pueden encontrar en colecciones y museos como INJUVE, Madrid. ARTIUM, Álava. Euskal Herriko Unibertsitatea, Leioa (Bizkaia). Hondarribia-ko Udala, Guipúzcoa. Lezo-ko Udala, Guipúzcoa. Fundación BBK Fundazioa, Bilbao (Bizkaia). UNED, Madrid. Zarautz-ko Udala (Gipuzkoa.). MIDE, Cuenca. Fundación La Gaceta, Salamanca. Embajada española, Tokyo, Japón. Casa de Asia, Barcelona y Cajamadrid, Madrid. ISABEL BAQUEDANO (Mendavia, Navarra). Pintura. Figuración. Desde 1963 ha realizados exposiciones individuales en Madrid y San Sebastián principalmente, y su obra se encuentra en el MNCARS, la Fundación Coca-Cola, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo de Navarra, Museo Ayllón, Museo Fray Diego de Estella y el Banco Europeo de Inversiones. RAMIRO FERNÁNDEZ SAUS (Sabadell, 1961). Pintura. Figuración. Su trayectoria artística se desarrolla principalmente entre Madrid y Londres. En el año 2005, el Museo de Bellas Artes de Sabadell presentó una exposición antológica de su pintura y su serie Maestros Impertinentes ha sido expuesta tanto en el Centro Cultural Recoleta (2005) como en la Casa de América de Madrid (2006). Su obra se encuentra en el MNCARS, la Fundación La Caixa, la Fundación Coca-Cola, el Banco de Sabadell, la colección Llerena & Asociados de Buenos Aires, la colección Bowfonds Cultuurfonds de Holanda, la Colección Municipal de Arte Contemporáneo del Ayuntamiento de Madrid o el Instituto Óscar Domínguez de Arte y Cultura Contemporánea, Museo Albertina, Viena y Museu d’Art, Sabadell. Cuenta asimismo con diversos premios como la beca para estudios en el extranjero de Delfina Studios de Londres de la Generalitat de Cataluña. DAMIÁN FLORES (Acehuche, Cáceres, 1963) Pintura. Figuración. Ha realizado exposiciones individuales en Madrid, Santander y Valencia, principalmente. Obtuvo la Beca del Ministerio de Asuntos Exteriores en la Academia Española en Roma, entre otras. Su obra se puede encontrar en los siguientes museos y colecciones: Colección Unión Fenosa, Colección Caja de Burgos, Museo Municipal de Madrid, Ministerio de Asuntos Exteriores, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz, Biblioteca Nacional, Galería de Retratos del Premio Cervantes y Consejo Superior de Deportes. LUIS MAYO (Madrid, 1964) Pintura. Figuración. Desde 1988 ha realizado exposiciones individuales en Madrid, Sevilla, Segovia, La Laguna (Tenerife), Santander, Cuenca, Orense, entre otras ciudades, y una exposición en el Museo Municipal de Albacete. Ha recibido los siguientes premios: Premio de Paisaje de Riaza, Premio del Excmo. Ayuntamiento de Ayllón, Premio de la Fundación de Amigos de Madrid, Mención de la II Bienal de la Ciudad de Albacete, Premio I Certamen de El deporte en la Pintura del Albacete Balompié, 2º Premio Penagos de Dibujo, Fundación Mapfre, Finalista Premio Camuñas y 2º Premio Humboldt, Tenerife. Su obra se encuentra en los siguientes museos y colecciones: Museo Albertina de Viena, Museo Municipal de Madrid, Colección Testimoni de La Caixa, Colección Banco Santander Central Hispano, Banco de España, Ayuntamiento de Madrid, Ayuntamiento de Albacete, Ayuntamiento de los Llanos de Aridane, La Palma, Albecete F.C., Albacete, Colección Amalia Fortabat, Buenos Aires, Colección Llerena & Asociados, Buenos Aires, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid, Fundación Via de Eindhoven, Holanda, Fundación Camuñas, Colección Vallehermoso, Caja de Ahorros de Segovia, Colegio de Arquitectos de Castilla-La Mancha, Fundación Antonio Pérez, Cuenca y Centro de Asuntos Taurinos de la Comunidad de Madrid MARIAJOSÉ GALLARDO (Villafranca de los Barros, Badajoz, 1978) Pintura. Figuración. Desde 1999 ha realizado diversas exposiciones individuales principalmente en Sevilla. Este año ha participado también en la exposición ¡Viva pintura? celebrada en la galería Hangar-7 en Salzburgo, Austria. Ha recibido los numerosos premios y becas, entre ellos: Accésit concurso pintura: Instituto de la Juventud, Sevilla, Accésit, concurso de pintura rápida al aire libre. Badajoz, Premio adquisición de obra. Certamen Andaluz de Artes Plásticas, Mención de Honor en el V premio ABC de pintura, Premio internacional de pintura Focus Abengoa, Ayuda para artistas plásticos “Francisco de Zurbarán”. Junta de Extremadura y Accésit I Certamen de Obras Públicas. Junta de Andalucía JAVIER PAGOLA (San Sebastián, 1955) Pintura. Figuración. Desde 1980 ha realizado exposiciones individuales en Madrid, San Sebastián, Cuenca, Zaragoza, Málaga, Valencia, Copenhague y París entre otras ciudades. Ha recibido diversos premios y becas entre los que se encuentra la beca de la Academia de Bellas Artes de Roma y la beca ENDESA y el I premio de pintura Quinta Bienal Ciudad de Albacete y el I Premio Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas. Su obra se puede encontrar en los siguientes museos y colecciones: MNCARS, Madrid. Museo de Bellas Artes de Roma. Colección Ayuntamiento de Pamplona, Colección Fundesco-Telefónica, Colección Colegio de Arquitectos de Cuenca, Comunidad Autónoma de la Región de Murcia, Fundación Antonio Pérez, Fundación De Menil, Houston (USA), Colección del Ministerio de Asuntos Exteriores, Museo de Bellas Artes de Álava. Vitoria. Museo de Cuenca, Museo de San Telmo. San Sebastián, Museo de Teruel, Círculo de Bellas Artes. Madrid, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MCBA), Fundación Juan March. Madrid, Colección del Ayuntamiento de Albacete, Colección Colegio de Arquitectos de Málaga, Colección de la Comunidad de Madrid. CONCHA YBARRA (Sevilla, 1957) Pintura. Figuración. Ha realizado varias exposiciones individuales en Sevilla, Cádiz y Madrid. Su obra se puede encontrar en el Instituto Andaluz de Estadística, Fundación Alberto Jiménez-Arellano Alonso, Palacio de Santa Cruz, Valladolid Monasterio de La Cartuja en Sevilla y en el Ayuntamiento de Utrera. GALERÍA FERNANDO PRADILLA Mira Bernabeu: este artista alicantino utiliza la fotografía como medio no solo artístico, sino también de reflexión social y antropológica. La puesta en escena de cualquier obra performática es asociada a la vida “real”, que se confunde y entremezcla con la representación. Los personajes de Mira Bernabeu son al mismo tiempo personas reales y participantes de una puesta en escena, lo que hace plantearse al espectador cuestiones como los limites entre la realidad y la ficción, el soporte y el contenido o lo innato y lo aprendido a través de una cultura concreta. Juan Francisco Casas (La Carolina, Jaén): este artista, ganador del premio ABC en 2004, toma imágenes fotográficas espontáneas que transforma en óleos hiperrealistas. Las escenas que representa son imágenes sin encuadre y a veces desenfocadas, ya que la cámara de fotos actúa como un espectador más de la escena, sin reflejar la mirada de quien toma la foto, sino adoptando un punto de vista propio. Esas imágenes reflejan momentos de fiesta y diversión, planteando una nueva visión de la pintura “académica”, que trivializa sus temas, así como de la fotografía casera, aquella que sirve para el recuerdo personal, que se inscribe con él en el contexto de las Bellas Artes. César Delgado: este pintor madrileño se nutre de las corrientes no figurativas más relevantes del siglo XX, como son el arte pop, el minimalismo, el expresionismo abstracto o la abstracción geométrica, y las reinterpreta desde una nueva perspectiva temporal y cultural. ¿El objetivo? No es enseñar, convencer ni aleccionar, sino simplemente, disfrutar. El arte por el arte. Mario Cravo Neto: el candomblé, el vudú, la santería y las religiones y ritos afro brasileños son la fuente de inspiración de este fotógrafo brasileño de renombre internacional. La mezcla de razas y culturas, que desemboca en una mezcla de creencias y supersticiones, se refleja en la obra de este artista con una fuerza y un lirismo difíciles de emular. Con Cravo Neto, las imágenes se convierten en poesías visuales que nos cuentan historias sobre un pueblo y sus raíces, al mismo tiempo que nos revelan sentimientos profundos e íntimos de sus personas. Salvador Díaz: las obras de este pintor mexicano giran en torno a temas de la actualidad más candente, aquellos que leemos o escuchamos todos los días en la prensa y que, sin embargo, muchas veces nos pasan desapercibidos. Para ponerlos en relieve, el artista pinta sobre el propio soporte de las noticias: el papel de periódico, seleccionando la información que quiere subrayar, modificando las palabras y las imágenes hasta dar lugar a una nueva interpretación de la realidad. Carlos Salazar Arenas: al igual que Salvador Díaz, este artista utiliza como referente en sus obras imágenes mediáticas, aunque tratadas desde un punto de vista radicalmente diferente. Este pintor colombiano toma imágenes de conflictos humanos y las descompone, recomponiéndolas total o parcialmente sobre la tela con un solo color en distintas intensidades. De este modo, sus pinturas suscitan una controversia entre la forma y lo representado, dando pie a una reflexión respecto a la imaginería a la que estamos expuestos, frente a la que normalmente permanecemos indiferentes. Victoria Encinas: Para esta artista nacida en Madrid, la pintura es la forma de arte plástica primigenia, aquella que encierra en sí una filosofía que va más allá de lo físico y lo tangible. Por ello, en su trabajo el color se antepone a la forma, y la idea a la figuración. La materia pictórica, en su infinita versatilidad, propone territorios que superan lo real, abriendo paso a un mundo de nuevas percepciones y dando un nuevo giro a la tendencia de la abstracción trascendental surgida a principios de siglo, revisándola y reinterpretándola con la mirada de los tiempos actuales.
Juan Gallego: Partiendo de la imagen fotográfica y la técnica realista, la obra de Juan Gallego (Madrid) encuentra su referente en las cosas mínimas, en todo aquello que se escapa a nuestra percepción y que, sin embargo, está cargado de poesía y lirismo. Una burbuja en el agua o los pistilos de una flor son excusa y pretexto suficiente para crear una magnífica obra de arte, que los ensalza y revela tan bellos y sugerentes como el más hermoso de los retratos. Ixone Sádaba: partiendo de su cuerpo, única ventana con el mundo exterior, esta artista bilbaína refleja el sentimiento de tragedia inherente a la propia existencia, ambigua, dolorosa y finita. El lenguaje de Sádaba se nutre de fuentes que basculan entre la tragedia clásica y la imagen publicitaria, plasmándose habitualmente en la fotografía, si bien la artista ha experimentado con multitud de técnicas, como el dibujo digital, la performance o el video, siempre con el fin de transmitir aquello que solo uno siente, y que es a la vez identificable por todos los que estamos inmersos en el viaje de la vida. Germán Gómez: el cuerpo masculino es para este fotógrafo madrileño en el único soporte y material de su obra. Gómez se apodera en cierto sentido de sus fotografiados y toma parte de su físico y de su carácter para crear nuevos personajes con los que reflejar su propia intimidad. De esta manera, sus fotografías, a veces cosidas, a veces dibujadas, a veces recortadas…se convierten en un espejo en el que el propio fotógrafo se refleja, creando un movimiento recíproco entre el artista y sus obras. Marcos López: las fotografías de este artista argentino reflejan un mundo tan contundentemente definido que su imaginería es indiscutiblemente reconocible como propia. López capta con una rotundidad magistral la realidad latinoamericana, en parte triste y en parte alegre, en parte autóctona y en parte copiada del exterior, y la filtra por el tamiz del costumbrismo y lo kitsch, al mismo tiempo que intensifica a través del color, la composición y la puesta en escena ciertos puntos de interés, haciéndola más cercana, conmovedora y auténtica. Armando Mariño: la obra de este cubano está cargada de una fuerte dosis de ironía y crítica. En sus pinturas, el artista deforma imágenes de la realidad análogas a hitos de las artes visuales occidentales, y las reinterpreta desde un punto de vista “foráneo”, invitando con ello a la reflexión y revisión de grandes temas de las artes, al mismo tiempo que crea analogías entre estas imágenes y situaciones sociales actuales, dando pie a una doble vertiente crítica. Beth Moysés: la obra de Beth Moysés se inscribe en la corriente de artistas cuya obra gira en torno a una temática invariable. En este caso, el mundo de la mujer, los problemas de maltrato y violencia de género son el epicentro de la obra de esta conmovedora artista brasileña. Partiendo de los sentimientos más profundos del universo femenino, Moysés crea metáforas del dolor de la mujer a través de los más diversos métodos de expresión. Marco Mojica: el trabajo de este joven colombiano se mueve inequívocamente dentro del campo de la posmodernidad. La apropiación de referentes visuales clásicos dentro de la historia del arte y su reinterpretación crítica son el leitmotiv de su producción, que pone sobre la palestra cuestiones como la legitimidad cultural del arte y de la cultura visual preestablecida. Para conseguir este objetivo, crea una pintura que oscila entre el ilusionismo y la ironía, sacando a la luz el carácter ambiguo de todo aquello que asumimos como válido o pertinente. Noé Sendas: a través de la fotografía, el collage, la escultura o los objetos, este artista pone de manifiesto el triángulo que se crea inexorablemente cuando una obra de arte se muestra, y que no es otro que el conformado por el artista, lo representado y el espectador. Las relaciones multidireccionales de estos tres elementos son una de las claves para comprender las obras de este artista, que por su parte intentan comprender al mismo tiempo el funcionamiento del arte en el más amplio de los sentidos. Ambra Polidori: el trabajo de esta artista supone un paso más allá en la creación artística. A través de diversos medios de producción plástica, esta mejicana intenta aportar su grano de arena en la lucha por un mundo más justo e igualitario. La denuncia y la crítica contra la guerra, el trabajo infantil o la pobreza son más que evidentes en sus obras, que pasan a ejercer una función estética y social. Oscar Muñoz: para este colombiano, la representación plástica no es sino una metáfora de la realidad, tanto física como metafísica. La presencia del espectador es fundamental para sus trabajos, que caerían en la no existencia si no fuera por la participación activa del público, que les da un significado y una motivación distinta cada vez que son vistas y pensadas. Miguel Harte: es uno de los artistas argentinos contemporáneos más representativos. Su trabajo se centra en la creación de objetos delirantes e imaginativos, en los que lo bello y lo desagradable encuentran un perfecto equilibrio, dando lugar a una nueva armonía de formas que pertenecen a un mundo onírico. LA FÁBRICA Marina Abramovic (Belgrado, 1946) Vídeos y fotografías de su reciente serie Balkan Erotic Epic, que se expondrán por primera vez en una feria de arte en España. Abramovic vuelve a escarbar en esta serie en sus raíces montenegrinas con registros que narran una épica inédita de los Balcanes. Balkan Erotic Epic está basada en la investigación que la artista ha realizado sobre la cultura popular de los Balcanes y su entendimiento de lo erótico. Comprometida y valiente, Marina Abramovic (León de Oro a la mejor artista, Bienal de Venecia, 1997) es una de las artistas que mejor ha sabido establecer una perfecta simbiosis entre el arte y la vida. Su trayectoria artística y su propia experiencia vital corren en paralelo y son absolutamente indisociables. Su arriesgado e intenso trabajo en el campo de la performance y el body art (arte del cuerpo), que practica desde la década de los setenta, la han convertido en una de las artistas internacionales más significativas de las últimas décadas. Nobuyoshi Araki (Tokio, 1940) En ARCO se verá el conjunto de fotografías de la serie Kaory, realizada por Araki en 2005. La obra fotográfica de Araki se basa en la premisa de que las fotografías son falsedades y que no representan ni la realidad ni los hechos. Por ello, el artista apuesta por teatralizar el medio mostrándose abiertamente personal y por embellecer la realidad con falsedades. Lo público y lo privado, instantáneas casuales y puestas en escena, imágenes callejeras y fantasías sexuales, realizadas en estudios, estancias particulares o burdeles, dan como resultado un denso caleidoscopio de las más diversas impresiones, a veces desconcertante para un observador occidental. Imágenes entrelazadas de forma tan tupida que crean una síntesis, en la que se somete la relación entre la esfera social y la privada o íntima a la tensión más extrema, y que, por último, conforman una alegoría de la vida, a la que es inherente la muerte. Richard Billingham (1970, Cradley Heat, Reino Unido) La Fábrica Galería presentará en exclusiva fotografías de la serie Zoo (2006), que Richard Billingham ha estado desarrollando durante dos años. Al principio motivado por los recuerdos nostálgicos de sus visitas al zoo en su infancia, el nuevo proyecto de Billingham explora el impacto de espacios limitados sobre el comportamiento animal observando, al mismo tiempo, los espacios psicológicos del zoológico. La serie captura las complejidades de la relación entre los animales cautivos y las miradas del público. Realizado en zoológicos a través del Reino Unido, Europa y Sudamérica, el proyecto explora el impacto de espacios limitados sobre el comportamiento de los animales. Enfocando el espacio psicológico del recinto del zoo, la serie también captura las complejidades de la relación de inspección entre animales cautivos y su audiencia pública. Chen Chieh-Jen (Taiwán, 1960) The Route es el último proyecto de Chen Chieh-Jen, realizado para la reciente Bienal de Liverpool que se exhibirá en primicia en ARCO. El trabajo de Chen Chieh-Jen se centra en las dimensiones políticas e históricas de la imagen y en los efectos del proceso de globalización de la economía. Uno de los aspectos más relevantes de su trabajo es la manera en que analiza de forma simultánea, analítica y crítica la historia y sus imágenes, en estrecha articulación con una reflexión sobre la propia naturaleza de los dispositivos de representación visual analógica. De ahí que su retórica artística —en su especificidad técnica, estética y conceptual— esté marcada por un pronunciado carácter metafórico, que invita al espectador a una especulación crítica sobre diversas problemáticas de la historia moderna y contemporánea: imagen y poder, historia e identidad local y global, cuerpo y performance. Félix Curto (Salamanca, 1967) Desde que Félix Curto se estableciera en 1997 en México, la idea de viaje como experiencia iniciática y su reelaboración a partir del recuerdo, han estado íntimamente ligadas a su obra. Bien por medio de la fotografía, bien a partir de objetos que recoge y colecciona, Curto desarrolla el aspecto poético y nostálgico de un pasado cercano. En ARCO se presentará su reciente serie de fotografías When the Music is Over (2006), en la que el artista realiza una reflexión en torno a la idea del viaje, físico y geográfico, pero sobre todo en torno al viaje imaginario, interior. Sus fotografías son fragmentos vitales de una experiencia iniciática que recibe una fuerte influencia de las road-movies del cine y que revela cierto componente fetichista. Curto trata la intensidad del viaje físico y de sus repercusiones en el imaginario; del momento en que un acorde, una visión, el propio acto de conducir en carreteras perdidas, nos transporta de un lugar a otro y nos ofrece una revelación. Paul Graham (Reino Unido, 1956) La serie American Night está compuesta por un conjunto de fotografías a gran escala tomadas entre 1998 y 2003 en distintas localizaciones norteamericanas. La serie American Night habla sobre la fractura social en los Estados Unidos, la gran división entre excluidos e incluidos, entre los que tienen y los que no. American Night abarca este territorio abandonado en una serie de imágenes poderosas que se alojan en nuestra conciencia a la vez que traspasan los límites entre arte y documental. El discurso de la serie está basado en la enorme escisión producida en la sociedad estadounidense, que se hace patente de forma explícita en las dicotomías entre inclusión/exclusión, blanco/negro o tener/no tener. Estas divisiones, omnipresentes en la cultura norteamericana, se presentan a través de imágenes que reflejan la vida de los menos favorecidos. Peter Granser (Hanover, 1971) La Fábrica Galería presenta en ARCO Alzheimer, un proyecto que combina de forma audaz lo documental y lo artístico. Peter Granser inició este trabajo a mediados del año 2001 en el marco del World Press Masterclass. Las imágenes están tomadas en una residencia de Stuttgart dedicada al cuidado de enfermos de Alzheimer, y muestran hasta qué punto los ancianos se sienten perdidos en el pequeño mundo que les rodea. La serie se centra en conceptos que se relacionan con los temas de dependencia y vulnerabilidad. A través de sus imágenes, percibimos el gran cuidado y equilibrio que el artista ha puesto en su trabajo. Por un lado, las imágenes presentan al ser humano y lo que tiene que soportar, demostrando un gran respeto por la dignidad del paciente. Juan López (Cantabria, 1979) La obra de Juan López se presentará en la feria tras haber sido galardonado recientemente con el Premio Altadis por el proyecto Segurata, donde el artista aporta una mirada corrosiva sobre algunas de las invisibles convenciones de la institución arte. En el vídeo vemos a tamaño natural los momentos humanos de un vigilante de un museo, una figura que encarna los habitualmente pocos visibles aspectos normativos y valores materialistas del arte. Juan López realiza ejercicios murales en espacios tanto de interior como de exterior. En su instalación en el Centro de Arte Santa Mónica en el 2005 el artista modificó la percepción del espacio de trabajo por medio del dibujo y la construcción con materiales de desecho reciclados y cinta aislante. Matt Siber (Chicago, 1972) En ARCO podrán verse imágenes de dos series del artista estadounidense. El proyecto Untitled tiene sus raíces en el interés básico de la naturaleza del poder. Borrando todos los textos de las fotografías, el proyecto explora la manifestación del poder entre grandes grupos de gente en formas de lenguaje público y semipúblico. La abstinencia de la letra impresa no sólo nos dirige la atención a la importancia que el texto tiene en el paisaje urbano, sino que también enfatiza formas alternativas de comunicación. El aislamiento del texto de sus diseños gráficos originales nos ayuda a explorar posteriormente la naturaleza de la comunicación en el paisaje urbano como una combinación de significado visual y literal. Floating Logos dirige nuestra atención a un efecto común en nuestros paisajes, el hecho de eliminar los soportes de las señales que cuelgan de la parte más alta de los postes. La supresión digital de estos soportes no sólo ilustra este efecto, sino que también sirve para desconectar las señales del suelo y de la realidad. Como si se tratara de una escultura flotante en el cielo, la imagen podría hacer referencia al acto religioso, espiritual o sobrenatural. Yüklə 113,31 Kb. Dostları ilə paylaş:
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